НОВОЕ ИСКУССТВОЗНАНИЕ

ФРАГМЕНТЫ ШИТОГО ИКОНОСТАСА 1430-Х ГОДОВ – ПРОБЛЕМЫ РЕКОНСТРУКЦИИ, ИКОНОГРАФИИ, СТИЛЯ

2024-11-12T08:17:46+00:00

Шитый иконостас, дошедший до нас в целом ряде разрозненных фрагментов с фигурами святых (ГИМ, ГРМ, ГЭ, ГММК), — один из самых значительных памятников московского искусства 1430-х гг. Помимо высочайшего художественного уровня исполнения шитья, образцы которого известны по единичным примерам этого времени, это еще и уникальный по замыслу комплекс, проливающий свет на ранний период формирования высокого русского иконостаса. Несмотря на особое место, которое занимает этот памятник в ряду работ послерублевской эпохи, за редким исключением, он не привлекал внимания исследователей. Композиционные особенности и состав сохранившихся фигур святых позволяют предполагать, что изначально это был шитый «походный» иконостас, общий замысел которого реконструируется автором. Он имел как минимум три горизонтальных регистра с деисусным и пророческим рядами, а также еще один, видимо, нижний ярус преподобных, уподобленный иконографической программе восточных граней столпов и расписных каменных алтарных преград московских княжеских соборов. Судя по стилю памятника и составу святых, он был исполнен в одной из центральных, скорее всего, московских княжеских мастерских, и, видимо, предназначался для дворцового использования, как домашний камерный моленный образ, а также в паломнических поездках и путешествиях. Выделение фигур святых Сергия и Никона Радонежских, являющиеся древнейшими их изображениями, наряду с ранними покровам, свидетельствует о близости заказчика Троице-Сергиевому монастырю.

ДЕРЕВЯННОЕ ХРАМОЗДАТЕЛЬСТВО ПСКОВСКОЙ ЗЕМЛИ XVI – НАЧАЛА XIX ВЕКОВ. ТИПОЛОГИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ

2024-11-12T08:17:46+00:00

В статье рассматривается традиция храмового деревянного зодчества в XVI – начале XIX столетий на территории Псковских земель. Целью статьи является постановка вопроса о появлении и развитии тенденций, архитектурных решений и типов, преобладавших в местном деревянном зодчестве. Немногочисленные сохранившиеся деревянные памятники дотипового храмоздательства Псковщины в настоящее время, к сожалению, не поддерживаются в надлежащем состоянии, и существует риск их быстрого обветшания и даже утраты, поэтому теоретический материал и его уточнения оказываются необходимы для работы с памятниками in situ. В настоящей статье тема освещается на основе анализа источников, в контексте и внутренних связей псковских субрегионов, а также внешних контактов с соседними регионами. Предпринята попытка определить ряд архитектурных типов, фиксируемых в XVII в. и в более ранний период, когда были распространены клетские церкви с одним алтарём, либо с каскадными завершениями, либо с небольшими прямоугольными врезанными срубами. Рассматриваются также тенденции ярусного строительства, получившие развитие на рубеже XVII–XVIII столетий и заданные контактами с западнорусскими регионами. Среди типов, преобладавших до начала XIX в., следует выделить вариации храма в несколько ярусов и тип с четырёхскатным покрытием. Кроме того следует принимать во внимание внешние факторы, влиявшие на особенности наружной отделки (в т.ч. обшивки). Автор предпринимает попытку выявить характерные черты традиции; наметить и свести общие вехи, этапы развития псковской деревянной архитектуры до начала использования общероссийских типовых проектов.

ОБ ИКОНОГРАФИИ ЕЛИЗАВЕТЫ АЛЕКСЕЕВНЫ, ВЕЛИКОЙ КНЯГИНИ, ИМПЕРАТРИЦЫ, ВДОВСТВУЮЩЕЙ ИМПЕРАТРИЦЫ

2024-11-12T08:17:46+00:00

Настоящая статья дополняет обстоятельный очерк Ю.В. Шаровской об иконографии Елизаветы Алексеевны наблюдениями о своеобразии ее репрезентации в портретах, отражавших ее менявшийся статус при Российском дворе, — великой княгини, императрицы, вдовствующей императрицы. Наиболее традиционны портреты Елизаветы Алексеевны, созданные в бытность ее великой княгиней. В них подчеркивается ее молодость, красота, дающие надежду на потомство, кроткий нрав, обещающий супружеское счастье, а ее статус определяется как высокий, но несопоставимый со статусом самодержавной императрицы Екатерины II и уступающий свекрови великой княгине Марии Федоровне. Портретам с детьми не суждено было появиться в силу жизненных обстоятельств. На иконографию Елизаветы Алексеевны как императрицы наложил отпечаток разлад в отношениях с супругом императором Александром I. Создаются их парадные парные портреты, демонстрирующие статус; двойные же, предполагающие душевное единение моделей, чрезвычайно редки и имеют официальный характер. Самые яркие образы их нового сближения явлены в портретах Елизаветы Алексеевны как вдовствующей императрицы и ее посмертных портретах, знаменующих воссоединение с супругом.

СТИЛИСТИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ МИНИАТЮРНОЙ ЖИВОПИСИ ШКОЛЫ КАНГРА В ПРОИЗВЕДЕНИЯХ НАЙНСУКХА (1710–1778)

2024-11-12T08:17:46+00:00

Данная статья посвящена видному мастеру раджпутской миниатюрной живописи XVIII века — Найнсукху (1710–1778). Творчество художника рассматривается в связи с общей проблематикой живописи Индии, в частности — формированием стилистических особенностей школы Пахари, получившей распространение в предгорьях Гималаев. Приводится краткий очерк историографии вопроса, от первых монографий начала XX в. до современных выставок. Раскрывается проблема стиля в живописи Пахари, обозначается две наиболее крупных школы, хронологически следующих друг за другом — Басоли и Кангра. Приводится объяснение того, как сложность классификации художественных особенностей школ региона, основанной на выделении отдельных центров, была преодолена в 1960-х гг. благодаря открытию профессором Б.Н. Госвами целой генеалогии художников семейной мастерской Пандита Сеу, из которой также происходит и Найнсукх. Рассматривается фигура Найнсукха с точки зрения формирования и развития его манеры. Анализируются наиболее важные его произведения — как ранние, являющиеся копиями миниатюр Великих Моголов, так и поздние, где мастер достигает полной свободы, теплоты и особой живописной мягкости, свойственной зрелому этапу школы Пахари. Отдельное внимание уделяется эскизам пастушки-Радхи, ставшим основой для серии «Гитаговинда» 1775–1780 гг., выполненной потомками Найнсукха после его смерти. В заключении делается вывод о том, что работы Найнсукха, в которых опыт и богатое наследие художников Басоли объединяются с достижениями могольской школы, в последней четверти XVIII в. станут основой для школы Кангра — уникального явления в истории искусства Индии.

К ВОПРОСУ О ДАТАХ РОЖДЕНИЯ ХУДОЖНИКОВ А.И. И И.И.ЛЕВИТАНОВ

2024-11-12T08:17:47+00:00

С тех пор, как в 2010 г. автором было сделано, а позднее введено в научный оборот открытие архивных записей из Литовского государственного исторического архива (LVIA) о датах рождения в семье учителя из местечка Кейданы в Ковенской губернии Эльяшива Лейбовича Левитана и его жены Баси художника Абеля (Авеля, Адольфа Ильича) Левитана и его старшей родной сестры Михле, уточняющее биографию их знаменитого брата Исаака Ильича Левитана, появились новые сведения, которые требуют переосмысления высказанных ранее гипотез, большинство из которых удалось надежно подтвердить или опровергнуть. Музейное сообщество (за редким исключением) почти четырнадцать лет игнорировавшее произошедшие открытия, наконец, проявило интерес к ним. Актуальность темы исследования связана с влиянием частных биографических событий на возможности интерпретации психологических особенностей творчества выдающегося мастера «пейзажа настроения». Методология работы построена на научных стратегиях анализа микроистории на основе источниковедческого анализа. В работе подтверждается, что общепринятые даты рождения Адольфа и Исаака Левитанов неверные, Адольф Ильич Левитан родился 9 января 1861 г. по старому стилю, а Исаак Ильич Левитан родился в 1861–1862 гг. Перипетии второго брака их отца могли повлиять на психологические мотивы творчества, что важно в контексте социальной истории искусства.

ПОЗДНИЙ ПЕРИОД ТВОРЧЕСТВА ДЖ.М.У.ТЁРНЕРА (КОНЕЦ 1830-Х – 1840-Е ГОДЫ): ПРОБЛЕМА СТИЛЯ

2024-11-12T08:17:47+00:00

Статья посвящена проблеме «позднего стиля» Дж.М.У. Тёрнера и выявлению особенностей творческого метода мастера, на основе анализа его эстетических, тематических, пластических принципов. Основные положения английской эстетики второй половины XVIII – начала XIX вв. не только не утрачивают своей актуальности, но обретают в его творчестве новую глубину осмысления. Важнейшие полотна Тёрнера конца 1830–1840-х гг. кульминируют разработку ряда тем и мотивов, которые художник развивал, начиная с самых ранних своих произведений: тема противостояния человека и стихии, технического прогресса, жизни и смерти и другие. Именно в поздний период происходит расширение концептуального формата исторической картины — художник впервые обращается к форме диптиха. Трансформация художественного языка Тёрнера совершается в русле последовательного освобождения от фиксации реалистических условностей и высвобождения суггестивного потенциала, в виду чего позднейшие работы мастера демонстрируют движение цвета, рождающее практически абстрактные формы.

ЭСТЕТИКА ДЕКАДАНСА В ИЛЛЮСТРАЦИЯХ ОБРИ БЕРДСЛЕЯ К «ЖЕЛТОЙ КНИГЕ»

2024-11-12T08:17:47+00:00

Автор анализирует иконографию и семантику графических работ Обри Бердслея, опубликованных в первых четырех выпусках литературного журнала «Желтая книга» за 1894 г., для выявления черт и осмысления специфики эстетики декаданса в искусстве Англии конца XIX века. Необходимо отметить, что «Желтая книга» впервые выступает самостоятельным объектом исследования в русскоязычной историографии. Актуальность исследования обусловлена малой изученностью в России как феномена декаданса в целом, так и художественной деятельности Обри Бердслея в частности. Декаданс, как художественное и литературное направление, зародился во Франции в 30-е годы XIX в. и распространился на многие европейские страны, в том числе в Англию, где окончательно оформился в эпоху fin de siècle. Одним из центральных представителей декадентской линии искусства в Англии был Обри Бердслей (1872–1898) — художник, автор нескольких циклов иллюстраций к литературным произведениям (в т. ч. к «Смерти Артура» Томаса Мэлори, «Саломее» Оскара Уайльда и «Лисистрата» Аристофана). Одним из его важнейших проектов была работа над альманахом «Желтая книга». Журнал совмещал на своих страницах как литературные, так и художественные произведения: эссе, поэзию, прозу, графику, репродукции картин и т. д. «Желтая книга» издавалась в твердом переплете, без рекламы, и ее содержание имело подчеркнуто элитарный характер. Особое внимание в работах для книги Бердслей уделил мотивам театрализации и эстетизации окружающей действительности: повседневность он пытался стилизовать, применял интроспекции и ретроспекции для создания ощущения иллюзорного, постановочного мира. Художник использует принцип визуальной аналогии, стремясь придать нарративу ироничности и парадоксальности. Все эти черты выводятся автором в статье как элементы декадентской эстетики и анализируются применительно к работам Обри Бердслея.

ЖЕНЩИНЫ-ХУДОЖНИЦЫ В США НА РУБЕЖЕ XIX – XX ВЕКОВ: СОЦИОКУЛЬТУРНЫЙ КОНТЕКСТ, ОСНОВНЫЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ЦЕНТРЫ И ИХ ПРЕДСТАВИТЕЛЬНИЦЫ

2024-11-12T08:17:47+00:00

XIX век ознаменован важнейшими социальными и экономическими изменениями, которые, несомненно, находили свое отражение в искусстве и культуре США. Этот период во многом ознаменован борьбой женщин за свои права, и гендерный аспект играл важную роль в формировании и развитии американской художественной жизни на рубеже веков. Целью исследования является выявление и анализ вклада женщин-художниц в художественную (культурную) жизнь США в конце XIX – начале XX века. Кратко охарактеризовав социокультурный и художественный контекст этого периода, автор выделяет основные художественные центры, сложившиеся в США и отмеченных наибольшей активностью профессиональных художниц. Отдельное внимание в статье уделяется описанию творческого пути наиболее ярких их представительниц. Используя историко-биографический и контекстуальный подходы, автор с помощью методов сопоставления и анализа выявляет ряд тенденций развития художественной жизни США на рубеже XIX–XX веков. Благодаря чему автор приходит к выводу, что, несмотря на существующие социальные ограничения на протяжении рассматриваемого периода в художественной жизни США последовательно росла роль женщин. Предпринимаемые ими попытки живописного переосмысления роли женщины в современном обществе органично укладываются в русло важнейших социокультурных изменений в Америке на рубеже веков (в рассматриваемый период), а часто являются стимулом для дальнейшего развития.

СЕРИЯ «ИНТИМНОСТИ» ФЕЛИКСА ВАЛЛОТТОНА КАК КУЛЬТУРНО-АНТРОПОЛОГИЧЕСКОЕ ЗЕРКАЛО ПРЕКРАСНОЙ ЭПОХИ

2024-11-12T08:17:48+00:00

В последние годы эпоха постимпрессионизма подвергается активному пересмотру, что, в свою очередь, находит отражение в многочисленных научных публикациях. Одной из ключевых фигур художественной сцены этого времени является Феликс Валлоттон (1865–1925). К сожалению, русскоязычной литературы, освещающей его деятельность, не так много. Традиционно художника рассматривают лишь как члена группы наби, несмотря на то, что в её составе он трудился довольно непродолжительный отрезок времени. Мы же рассматриваем его как незаконно задвинутую на задний план независимую творческую единицу, выработавшую новый изобразительный язык чёрно-белой графики, который проложит дорогу последующим поколениям. В настоящем исследовании предпринята попытка дать характеристику образно-тематических и семантических особенностей графической серии «Интимности» (1898), включающей в себя 10 основных эстампов и предваряющий их лист с деконструкцией, состоящей из фрагментов каждой из десяти ксилографий. Эта графическая сюита, репрезентирующая травматизм буржуазной семейной жизни и обличающая пороки французского общества, не только подводит итог поискам нового графического языка, но и является вершиной сатирически-едких исследований современной художнику действительности. Основной целью автора было определение специфики серии и её демонстрация в особом историко-культурном контексте. Кроме того, в рамках этой статьи выявляются специфические художественные приёмы, применяемые мастером: так, придерживаясь принципов экономии средств, Валлоттону удаётся добиться большей выразительности.

ОБРАЗ САРЫ БЕРНАР В КОММЕРЧЕСКОЙ ПЕЧАТНОЙ ГРАФИКЕ КОНЦА XIX – НАЧАЛА ХХ В.

2024-11-12T08:17:48+00:00

Появление иллюстрированной рекламы во Франции стало значительным событием в искусстве XIX в. С открытием больших магазинов печатная реклама заняла свое место на парижских улицах. Формирующийся рынок товаров нуждался в увеличении продаж. Для привлечения покупателей на рекламных плакатах, карточках, обложках журналов располагали изображения наиболее известных личностей, в том числе из театральных кругов. Став олицетворением успеха, женской привлекательности и элегантности, Сара Бернар была одной из первых. Статья посвящена использованию образа Сары Бернар в коммерческой печатной графике для продвижения различных товаров в конце XIX – начале ХХ в. Показано, что, используя изображение Сары Бернар, художники предлагали потребителю рекламы не столько качественный товар, сколько потенциальный образ жизни великой актрисы, который каждый может перенять и повторить просто став покупателем.

ОСОБЕННОСТИ КОНЦЕПЦИИ ЦВЕТА В ТЕОРИИ ПРОСТРАНСТВА М.В. МАТЮШИНА

2024-11-12T08:17:48+00:00

Целью данной статьи является уточнение концепции цвета в колористической системе М.В. Матюшина — ключевого деятеля русского авангарда 1910–1920-х годов. Критическое и философское творчество художника рассмотрено в качестве идеологического контекста его художественного наследия. Проведен анализ понятия цвета в контексте теории «Нового пространственного реализма». Основные этапы ее формирования прослежены в текстах статей художника и их редакциях, выделены ключевые идеи и черты концепций пространства, «органической культуры». Дана краткая биографическая характеристика музыкального творчества М.В. Матюшина, касающаяся проблемы микрохроматики. С помощью сопоставления понятий цвета и звука, художественной и музыкальной теории и практики М.В. Матюшина выявлено их взаимное влияние, происходившее при исследовании художником контрастных цветов и обертонных призвуков как качественно и структурно близких феноменов. В ходе анализа обозначены возможные источники философии искусства мастера, в частности концепция «четвертого измерения», выявлено соответствие интересов художника с тенденциями в искусстве и культуре рассматриваемого периода. Итогом исследования стало определение места и роль понятия цвета в философской картине мира М.В. Матюшина. Сделан вывод о психофизических свойствах данного феномена, их значения как универсальных закономерностей в контексте исследовательской деятельности мастера. Попытка реконструкции представлений М.В. Матюшина о цвете основана на анализе опубликованных и неопубликованных текстов художника. Описание феномена цветности в рамках отдельной творческой биографии дало возможность определить общие проблемы исследования русского авангарда и цветовых систем.

ФАРФОР БЛОКАДНОГО ЛЕНИНГРАДА

2024-11-12T08:17:48+00:00

Изображение многогранного образа города на Неве стало одной из традиционных тем для фарфорового искусства XVIII–XX веков. На протяжении всего времени художники фарфорового завода выполнили множество произведений с характерными чертами образа города на Неве. В фарфоре середины 1940-х годов складывается особая фарфоровая «иконография» блокадного Ленинграда, где находят отражение трагические события в изображении Северной Пальмиры, ее архитектурных памятников, переданные с особенным драматизмом и достоверностью. В то же время художники стремились подчеркнуть величественную монументальность города и героизм его защитников.

«ВОЗВРАЩЕНИЕ ИЗ ПЛЕНА». О СУДЬБЕ КОМПОЗИЦИИ СКУЛЬПТОРА А.В. РАЗУМОВСКОГО

2024-11-12T08:17:48+00:00

В настоящем сообщении речь идет о судьбе забытого и плохо сохранившегося произведения, исполненного известным мастером советской реалистической школы А.В. Разумовским, — скульптурной композиции «Возвращение из плена», являющейся иллюстрацией трагических событий Великой Отечественной войны.

ТВОРЧЕСКИЙ МЕТОД Б.М. КАЛАУШИНА В ИЛЛЮСТРАЦИЯХ К КИТАЙСКИМ СКАЗКАМ

2024-11-12T08:17:48+00:00

Статья посвящена исследованию творческого наследия лениградского художника Бориса Матвеевича Калаушина (1929–1999) в области иллюстрирования китайских сказок. Б.М. Калаушин известен как исследователь русского авангарда, участник Общества «Аполлон», основатель одноименной художественной галереи и альманаха (1991). В то же время его художественное наследие в области иллюстрирования китайских сказок недостаточно изучено, что и определяет актуальность темы. Автор ставит задачу изучения художественно-стилистических и эстетических категорий книжной графики Б.М. Калаушина, его творческого метода в иллюстрациях к китайским сказкам («Травинка-невидимка. Сказки народов Китая» (Детгиз, 1961), «Секрет драгоценной тыквы» (Дет. лит., 1958). Особое внимание уделяется анализу взаимодействия символов и образов традиционного китайского искусства с приёмами выразительности русского авангарда. Исследование данной проблематики позволит дополнить представление о синтезе и интеграции китайского искусства и культуры в российском и мировом художественном процессе.

АНИМАЛИСТИКА В ТВОРЧЕСТВЕ КНИЖНОГО ГРАФИКА Т.П. КАПУСТИНОЙ

2024-11-12T08:17:48+00:00

В статье вводится в научный оборот и исследуется ряд анималистических графических работ петербургской художницы Т.П. Капустиной (1935–2020), анализируются стилистические особенности и специфика используемых графических техник. Иллюстрации Т.П. Капустиной к таким литературным произведениям как «Холстомер», «Хитрецы из зоопарка», «Первое солнышко», а также некоторые станковые работы впервые предложены в качестве объекта исследования. Выбранные работы наиболее ярко отражают техническое и художественное разнообразие графических техник в многолетнем творчестве Т.П. Капустиной. Ключевыми методами в работе стали комплексный и формальный анализ анималистических работ Т.П. Капустиной, а также сравнительный анализ ее творчества в разные периоды. При исследовании использованы материалы фонда факультета графики Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина и частных коллекций. Т.П. Капустина — признанный художник-анималист, однако ее вклад в искусство на сегодняшний день не полностью введен в широкий научный оборот. В статье представлены некоторые ранее не исследованные произведения этого автора.